当你参观国画展览时，

请勿用此等low语来形容面前的作品。

否则，

你会暴露自己是个美盲的事实。

如何在这样的场合，

不留痕迹的装X?

答案只有4（si）个字：

第一条

气韵生动

山石皴笔不多而立形，

江水留白远山若现，

一江两岸干干净净。

第二条

骨法用笔

骨法用笔，讲的是国画中笔墨的方法。线条是中国画家的一门独特的艺术语言，人无骨不立，画也是如此，运用线条作为骨架去进行造型，画家不同的笔法书写和绘出风骨，表现刚健有力的美感。

修竹数竿，错落有致，细却韧，弯而不折，如“锥画沙”笔笔送到，既不柔弱也不挑剔轻浮，石头笔道圆润有力，如“折钗股”富有韧性。

骨法即线条，主要强调线条的运用。以线条勾勒造型，勾勒对象的结构、体态、表情，只能靠线的准确性、力量感和变化来表现出来。也有骨法是指人物的外形特点，后来泛指一切描绘对象的轮廓。

骨法用笔总的来说，就是指怎样用笔墨技法恰当地把对象的形状和质感画出来。如果我们把气韵生动理解为“神”，那么也就可以简单地把骨法用笔理解为“形”了。

第三条

应物象形

所谓应物，就是画家对大自然或者画家要表现的客体的形象的响应、感应及把控。所谓象形，就是加进了画家个人的心意和个性了，包含了画家对客体形象的理解和体会。

画家林纾的《春觉斋论画》初刊于约民国初年的北京《平报》③，现将所论“应物象形”一节录出如下：

夫象形之至肖者，似无若西人之画，不惟有影，而且有光。欧洲名人手迹，前此百余年，已有以万镑求取一帧者，今当益知其罕。然持以市之华人，但视若常画，不知贵也。不知西人之于画，有师传、有算学、有光学，人但悦其象形以为能事，正不知其中亦正有六法在也。此诀元人得之。元人之作人物，神情意态，栩栩如生，即踵趾之间用力与不用力，亦加留意。明人如仇十洲，尚存遗法。至前清之陈老莲诸名公，则但写其高情远韵，不讲象形。独南沙之写翎毛，匪一不求其肖，则真悟到应物象形之法矣。

画家宗炳在他的《画山水序》中曾写道的“以形写形，以色貌色”，前半句话就表达了应物的意思。

第四条

随类赋彩

淡而能深沉，

艳而能古厚，

自然不落浅薄。

潘天寿曾有云：“淡色唯求清逸，重色唯求古厚，知此即近。用色之极境。”

给画面中的物象设置颜色时，相似度要尽量达到物象的本来颜色。

色彩的作用无论怎么在中国画里受到重视，跟西方油画比起来，色彩从来不是中国画的主要审美指标。国画画的是“心象”，把描绘对象经过主观情感升华后，画成自己理解的形象。油画画的是“物象”，以还原描绘对象的本来面貌为准则。

“谢赫六法”已经讲得很清楚，色彩在中国画里，从来都是一个辅助手段，不是不可或缺的元素。

第五条

经营位置

在诗经大雅里有这样一句话：经始灵台经之，营之。经是度量，营是筹划，谋划。谢赫把这句话借来比喻画家作画之初的设计构图。

位置需经需营，或者说是位置需要费思的安排，就把构图、费思、运思看成一体了，这是一个非常深刻的见解。

早在谢赫之前的东晋年间，一代名师顾恺之就提出了“置陈布势”的构图原理，而谢赫所提出的经营位置正是这一思想的丰富和发展。中国画的构图要始终忠于整体意境内容的需要，古人云“必先立意，而后章法”，说得也就是内容决定了形式。因此中国画中为了符合内容的需要而会有多样的表现手法。以山水画为例，为了突出山体的气势雄伟挺拔，中国画家习惯采用全景式的构图，将主山雄踞正中，挺拔而凝重，给人一种高山仰止的感觉。而为了突出山水的灵秀俊美，突出其意蕴美，中国画家又习惯采用边角式的构图，也就是所谓的“金边银角”，使得整个画面显得空灵俊逸，富有诗情画意。同时不同画家也具有自己别具一格的构图方法，这与他们的各自的艺术修养、个人气质有着密不可分的联系。比如明末清初的朱耷，别号八大山人。因为其明皇室后裔的身份，给他增加了一份国破家亡的感伤和痛楚。因此郑板桥评点他的画说“横涂竖抹千千幅，墨点无多泪点多”，因此他的画面构图总呈现许多与众不同，多为圆形构图，且所画事物也多是些衰败颓瑟的事物，例如他的石头、老梅、荷鸭、苍老的孔雀，给人一种很强烈的现实对比感观。

第六条

传移模写

正如古人所说：“盖师其意不在迹象间也。”这种临摹的好处是比较自由，可以摆脱形似上的羁绊，追求神似，真正把某家的长处融入到自己的作品中来。这种作品，全在神会，如沈颖《画谨》所说，“目意所结，一尘不入。似而不似，不似而似。”常保留自己的面貌，具有很大的创作成分。画家一般是在掌握了一定笔墨功力之后，才采取意临的方法，它可以长期坚持下去。即使是很有成就的画家，也常常要通过意临，不断吸取前人的精粹以充实自己的创作。我们在一些前代画家的作品中，看到有“法某某笔意”、“拟某某法”等题款的，就属于这一类，但它实际上仍是画家本人风貌。

正如古人所说：“盖师其意不在迹象间也。”这种临摹的好处是比较自由，可以摆脱形似上的羁绊，追求神似，真正把某家的长处融入到自己的作品中来。这种作品，全在神会，如沈颖《画谨》所说，“目意所结，一尘不入。似而不似，不似而似。”常保留自己的面貌，具有很大的创作成分。画家一般是在掌握了一定笔墨功力之后，才采取意临的方法，它可以长期坚持下去。即使是很有成就的画家，也常常要通过意临，不断吸取前人的精粹以充实自己的创作。我们在一些前代画家的作品中，看到有“法某某笔意”、“拟某某法”等题款的，就属于这一类，但它实际上仍是画家本人风貌。

“六法”是一则审美标准，也是画家对自己的要求，能帮助你更好的理解传世名作，也能让你领略到中国古人的审美标准和文化讲究。然而国画之路慢慢长兮，赏析之路亦愈深远。